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Qu'est-ce qu'une gamme de violon typique? Un guide sur ce que le violon peut faire

Le violon est la soprano des instruments à cordes, avec une gamme qui s'étend d'un sol bas en dessous de do moyen3) aussi haut que le violoniste peut atteindre, généralement autour de Esept, soit deux octaves au-dessus du E. ouvert Le violon est accordé en quintes: G3, RÉ4, UNE4, et E5. Chacune de ces cordes a une large gamme, la hauteur la plus basse étant la corde ouverte.

gamme de violon

Au fur et à mesure que le violoniste monte sur la touche, les hauteurs deviennent successivement plus hautes, et une partie de la virtuosité d’un violoniste réside dans la capacité technique, la polyvalence et la flexibilité avec lesquelles le violoniste peut manœuvrer entre une large gamme de hauteurs et de cordes.

Saviez-vous que le violon a commencé comme instrument de danse?

Un couple de facteurs a ouvert une gamme plus large sur le violon. Par exemple, la longueur actuelle de la touche. Cela permet au violoniste de gravir les hauteurs les plus élevées de la corde. Et la mentonnière, qui assure la stabilité du joueur. Avant la standardisation du violon moderne, le violon baroque avait une touche plus courte. Il avait également un angle de manche peu profond, une forme de chevalet différente et des cordes en boyau.

Le violon a historiquement commencé comme un instrument de danse, fournissant un accompagnement simple aux danseurs. Il a progressivement évolué en forme, en forme et en fonction au fur et à mesure que la musique instrumentale prenait forme. Les cordes en boyau ont été progressivement remplacées par des cordes «overspun», qui avaient un noyau en boyau enveloppé dans du fil métallique, permettant au son de se projeter, et le manche et la touche ont développé une pente plus raide, ce qui a permis aux cordes de rencontrer le chevalet à un angle plus net, augmenter la pression sur l'instrument.

La corde électronique très tendue était susceptible de se casser, jusqu'à ce que la corde électronique en métal gagne en popularité à la fin du 19.e siècle. Finalement, les cordes en acier sont devenues couramment utilisées pour les quatre cordes dans le 20e siècle, remplaçant les cordes en boyau plus nuancées mais capricieuses, car la projection, la puissance et la cohérence sont devenues des nécessités pour la salle de concert moderne, permettant aux violonistes de rivaliser avec un grand orchestre.

L’histoire du violon est complexe

Tout cela ne veut pas dire que l'ère pré-moderne des violonistes, des compositeurs et de leur musique était simple. Bien au contraire. Contrairement au piano moderne – incarné à la perfection dans le Steinway moderne dont les caractéristiques incluent ses cordes croisées et sa plaque en fonte, et qui est construit sur un mécanisme totalement différent des premiers instruments à clavier – le violon moderne n'a pas beaucoup changé de forme ou forme des premiers violons.

Les «violons Renaissance» ont une grande variété de formes et de tailles. Et ils servaient d'instruments d'accompagnement, et les violons étaient utilisés à peu près comme synonyme de cornettos, un instrument à vent loué pour sa capacité à imiter la voix humaine, mais qui est progressivement tombé en désuétude.

Au moment où le sommet culturel du violon baroque a été atteint, les violons étaient devenus des instruments solistes. En 1610, Giovanni Paolo Cima avait écrit les premiers exemples de sonates pour violon, montrant l'évolution du violon en instrument solo.

La musique pour violon continue de se développer

Au fur et à mesure que la musique pour violon se développait, les capacités du violon se manifestaient et vice versa. La musique instrumentale est devenue un véhicule d'expression en soi, plutôt que comme support de la voix ou comme partie d'un consort instrumental. À l'époque du Haut Baroque, les violonistes-compositeurs écrivaient et déployaient de formidables démonstrations violonistes de virtuosité.

Les virtuoses et compositeurs italiens étaient à l'avant-garde du développement de la gamme de violons

Les virtuoses et compositeurs italiens étaient à l'avant-garde. Ceux-ci comprenaient Corelli. Son influence large et profonde a rayonné vers d'autres pays à travers sa musique et ses élèves tels que Geminiani.

Traité de Geminani, le Art de jouer du violon, a été publié à Londres, et un coup d'œil à ses exemples et instructions montre une familiarité avec toute la gamme du violon, des positions les plus basses aux positions étonnamment hautes dans les gammes supérieures de la corde E, et montre ses prouesses techniques à la fois dans le mains gauche et droite.

C'était un traité influent et une référence pour les violonistes, les compositeurs et les théoriciens même après sa mort, par exemple Léopold Mozart, qui le cite dans son Traité sur les principes fondamentaux du jeu du violon. C'est toujours une référence importante pour les violonistes aujourd'hui sur le phrasé, l'articulation, la rhétorique et l'interprétation d'époque. Un autre violoniste-compositeur baroque italien est Pietro Locatelli. Il est aujourd'hui bien connu pour ses capriccios, qui présentent des défis techniques et sautent dans les gammes les plus élevées. Et des positions sur le violon qui rivalisent avec les 24 caprices de Paganini.

Arcangelo Corelli Portrait par Jan Frans van Douven

L’influence des compositeurs italiens s’étend bien au-delà de l’Italie

L’influence des compositeurs italiens s’étend bien au-delà de l’Italie en Angleterre et dans les pays germanophones comme l’Autriche. Là, une nouvelle génération de violonistes-compositeurs virtuoses a également émergé, notamment en Heinrich Ignaz Biber et Johann Heinrich Schmelzer. Leurs compositions incarnent le stylet fantastique, caractérisé par un style d'écriture libre, fantastique et imaginatif et un jeu sans contrainte de forme ou de style, marqué par des changements brusques, non préparés et fréquents de caractère et d'humeur.

La nature improvisée et libre de son affect se prête bien à une démonstration éblouissante de virtuosité et d'innovation. Par exemple, ses courses rapides chatoyantes jusqu'aux hauteurs de la corde E. Et sa portée jusqu'aux gammes les plus basses de la chaîne G. Quicksilver saute entre les gammes haute et basse. Et une utilisation innovante de sonorités de violon inhabituelles. Biber's Représentation solo de sonate pour violon comprend des imitations de différents animaux tels que le rossignol, le coucou, la grenouille et le chat en utilisant des glissandos désaccordés, des trémolos rapides, des harmoniques et des bruits de grattage pour n'en nommer que quelques-uns.

Biber's Sonates du Rosaire, qui sont un exemple inhabituel à cette époque d'un cycle programmatique et continu de mouvements axés sur un thème ou une idée particulière (le chapelet), présentent une utilisation sonore imaginative et brillante du violon pour créer un effet étonnant – pour méditer sur la vie de Christ.

La beauté du violon est au-delà de sa portée

La beauté et les capacités du violon dépassent sa capacité à atteindre les hautes gammes. Sa capacité inégalée à imiter la voix humaine est magique. Cela a été cité à plusieurs reprises par les théoriciens et les violonistes pendant des centaines d'années. Il a également une variété infinie de couleurs de ton et un timbre incomparablement chaleureux. Ceux-ci se combinent pour donner au violon sa capacité unique à chanter et à donner forme, beauté et sens à une phrase. Tout comme la lumière dans une peinture Vermeer illumine un intérieur modeste.

Akiko Kobayashi
Le violoniste né à New York Akiko Kobayashi est un solo et chambriste actif. Ses apparitions en récital incluent le Weill Recital Hall de Carnegie Hall dans le Young Musicians Concert sponsorisé par la MTNA League; Steinway Hall à New York; et la série de concerts commémorative Dame Myra Hess au Chicago Cultural Center, diffusée en direct sur WFMT.

Elle a étudié avec Victor Aitay, Sidney Harth, Zvi Zeitlin et Felix Galimir, et a obtenu un baccalauréat ès arts de l'Université de Yale et une maîtrise en musique en violon classique de la Manhattan School of Music.

Akiko Kobayashi

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